Metralla Rosa con Carla Tofano

La leche que chorrean los sueños híbridos de Tecla

By Carla Tofano

The Milk dripping from Tecla’s hybrid dreams


With the best of intentions and with a wonderful sense of opportunity, the exhibition ‘The Milk of Dreams’ borrows its name from the book by Leonora Carrington, in which the English surrealist artist – who lived an important part of her life in Mexico – tells of a magical world in which life is constantly being resized through the multicoloured prism of dreams. The title of this work, originally written as a children’s book, but which has also succeeded in awakening many adults, shares its name with the 59th edition of the Venice Art Biennale, in which the work of my mother, the artist Tecla Tofano, has been included.

But before I go any further, allow me to explain why I feel that the inclusion of my mother’s work in the Biennale is like a perfectly timed heist, masterfully brought together in a narrative steeped with magic, whose ramifications span the multiple planes we consider to be universal. I am going to take the opportunity to use the space offered up by this event for an inclusive debate in order to express my un-conformist thoughts on the wonderful inclusion of Tecla in the biennale. I will dare to say that her ghost has had something to do with this and that the transit of Jupiter through Pisces – which is, of all the star signs, the one most aligned with the oneiric, the intangible and the amorphous – was a pivotal ally from beyond, triggering this happy event in the here and now.

The 59th edition of the Biennale of Venice has been like a distant dream for me, but for anyone who has had the opportunity to visit it since its opening back in April, it was a journey designed to inhabit a universe of tactile, tangible possibilities, all vital and material and all expressing fantasy visions, multi dimensional and sibylline ideas of forms and shapes. Curated by Cecilia Alemani, the theme of this 2022 Biennale seeks to to transcend the renaissance concept of man as the centre of the universe, which it does with glorious warmth, from Venice, an Italian city that owes so much to the very Cartesian legacy that it is challenging. The questions that ‘The Milk of Dreams’ is asking and, one way or another, answering, thanks to the selection of works included, are the following: How is the definition of what is human changing? What are the differences between vegetable, animal, human and non-human? What are our responsibilities towards the planet and all forms of life on it? And, what would life be like without us? The brilliantly orchestrated answers coming from the works included in the exhibition blur the boundaries between what is real and what is imagined. Answers from which an unlimited number of interpretations and associations will derive because, whoever is brave enough to think with elasticity understands that the human reality cannot be understood using dogmatic concepts from a narrative in which dreams are neither real nor true.

I should warn you that this text will, more than likely, end up being a journey celebrating a piece of news that, when first heard, ignited thousands of electrical connections between not only my past and present, but also the present and future of an artist who, to this day, continues to challenge a significant number of vices and dogmas with her work. I first learned that my mother had been included amongst the 213 artists who made up the final selection of the biennale two days after the news was made public, thanks to Luis Romero, an artist friend of mine who lives in Venezuela. For anyone who isn’t aware, I am Venezuelan, Tecla thought and dreamed in Venezuelan – despite being born in Italy – and Venezuela, according to legend, owes its name to the explorers who first saw the lands of Venezuela in the fifteenth century and who compared it, in a derogatory manner, to glorious Venice.

Cecilia Alemani, who has overseen this Biennale with a conceptual refinement and sublime artistic sensitivity, is the first Italian woman to have curated this event and, sadly, only the fifth woman to have been given this responsibility in the 127 years of its history. It includes, for the first time, a significant collection of fascinatingly diverse artists, representing different historical periods, all of whom must be decidedly uncomfortable for this most orthodox of cultural establishments. The Chilean Cecilia Vicuña, the Italian-Brazilian Linda Gazzera, the Americans Nan Goldin and Ruth Asawa, the Germans Rebecca Horn and Hannah Höch, the French Marguerite Humeau and the Yanomami artist Sheroanawe Hakihiiwe make up just a tiny sample of an exhibition packed with wonderful creatures, unusual objects, intricate structures and mysterious artistic speculations. And for the first time in the history of the festival, the majority of the 213 artists are women or those who are non-conforming in their gender. The eighty national pavilions include countries that are participating for the first time in this respected international event, like Cameroon, Kazakhstan, Kirghizistan and Uzbekistan. And when faced with these precious success stories from this years biennale, I cant help but think: ‘It is spookily true…artists whose work takes them beyond the circumference of their own navel, do not die. They continue to move their pieces on the collective chess board until the end of time. And my mother is amongst them, continuing to believe in her own work and always disturbing the anthill with her pacing from beyond the grave, proving to us that our understanding of what it takes to succeed in the art world is not necessarily correct.’

Above all, the idea behind this exhibition is to present, in fluidly connected sectors, metaphoric visions of bodies and the ways in which they work, exploring the existing relationships between individuals and technologies and examining the nature of real or possible interactions between the earth and the bodies that inhabit it. This selection of objects, visual approaches and artistic dilemmas give birth to their positioning within a space of non-linear truths. The ambiguity and fragmentation of the bodies and the inclusion of historical narratives previously overlooked come to life and ask questions within this exhibition. Disobedient bodies, amputated bodies, intercepted bodies, reimagined bodies and blurred, rarefied and illuminated bodies all give answers to our many existential doubts when it comes to how we are and what we are. The convergence between humanity and technology can be observed through tangible objects that are connected to the sensory human experiences, characterising our perceived forms of the present, whilst re-imagining the possibilities of the future. And the relationship between human beings and the natural environment – sometimes fragile, sometimes powerful – is undoubtedly another of the recurrent and fundamental themes of this exhibition that, due to the historical context that surrounds it, is receiving all the praise and resonance that it deserves.

This, the first Biennale since 2019, also offers a sensual and sexual interaction with the botanical universe, as is the case with the photography of the contemporary Chinese artist Zheng Bo and with the disquieting images of young people abducted in the forests of Lithuania shown in the work of Eglė Budvytytė created in collaboration with Marija Olšauskaitè. I use these examples as a way to whet your appetites and create some context but, on the other hand, I find it absolutely outstanding that Tecla’s work is now sitting alongside pieces by a significant number of artists who I have admired for years. Artists such as the American writer and illustrator Djuna Barnes, or the English artist Leonora Carrington, who escaped to Mexico during World War II, or the Italian-Franco-Argentine, Leonor Fini, who loved to portray herself and embody her fantastic feline universe through her theatrical canvases, or the bombastic rawness of the recently deceased Portuguese artist Paula Rego, or the sophisticated and desolate fabled imagery of the Spanish surrealist painter Remedios Varo. It is almost as though the transhuman, transhistorical, ‘transrealist’ and surreal nature of the exhibition is expressing itself in the way in which I myself have been experiencing this happiness.

My mother was a visionary artist whose actions and ideas were always impeccably consistent. The fundamental concepts of her work were always linked to criticisms of bourgeois values, gender stereotypes and the social inequalities within the macho and capitalist culture, which she herself suffered from. She never moved in the crudely strategic way in which I have seen other artists move and the worldwide recognition she has achieved has come to her in a way that she herself would no doubt have appreciated. Without lobbying for it. The seeds she sewed with her feminist militancy are being harvested in this exhibition which, as mentioned, is for the first time in its history dominated by female artists and artists of non-conforming genders, making it a dart flying through a sky of possibilities. Tecla Tofano’s participation in the Venice Biennale proves that the perfect time kept by Swatch watches – the largest sponsors of the Biennale – does not exist. It also proves that artists literally do not die and that planetary transits never lie – especially as they lend themselves to as much ambiguity as there are people on this planet.

Events of this magnitude are usually handled with discretion and, while during the official launch of the event Cecilia Alemani shared details of some of the works that would be included, most were kept under wraps until the opening, which took place on the 3rd of April 2022. And so, while fantasising a little before the opening, I would imagine – due to the impact these huge ceramic dolls have recently had – that ‘El, Ella…Ellos’ (1977) would be included, as with them she was discussing, at a time when it was still not considered fashionable, the need for a more fluid consciousness between human genitalia and the social expectations associated within gender stereotypes. I also fantasied about coming across some of the menacing, yet attractive ceramic phalluses that I lived with for years in our house in Caracas. In the end, it was a selection of hybrid characters that have been given the honour of channeling her message, amongst which is a woman giving birth to grotesque umbilical chords from a womb that is depicted both metaphysically and metaphorically as a cross – that have been given the honour of channeling her message.

As I prepare, finally, to visit the Biennale, I find myself thinking: Bravo Tecla, bravo! May your triumphs continue to be as honorable as your battles were. And because all roads lead to Rome, I hope you are enjoying your return to the lands that gave birth to you, in a city that we wondered through together a couple of times, never knowing that, so many years later, we would meet there again.

A dopo mamma. The world is proud of you.

Further Reading


Translation by: Toby Deveson & Carla Tofano

Works by Tecla Tofano

Il Latte che sgorga dai sogni ibridi di Tecla


Il “Latte dei sogni” (The Milk of Dreams) ruba, con le migliori intenzioni e in una maniera perfettamente adeguata, il suo titolo al libro scritto da Leonora Carrington, in cui l’artista surrealista inglese, che visse gran parte della sua esistenza in Messico, descrive un mondo magico dove la vita si trova a essere costantemente ridimensionata attraverso il prisma multicolore dei sogni. Il titolo di quest’opera, scritta con lo scopo di essere un libro destinato ai bambini, e che in realtà è servito a risvegliare molti adulti, dà titolo all’edizione numero 59 della Biennale d’Arte di Venezia, in cui l’opera di mia madre, l’artista italo-venezuelana Tecla Tofano, è stata inclusa.

Ma lasciatemi spiegare perché mi viene da pensare che questo è stato un furto davvero appropriato e magistralmente organizzato da una specie di narrazione magica delle cose con ramificazioni su livelli multipli di ciò che intendiamo come universale. Mi servirò dello spazio per l’introduzione argomentativa che questo evento apre, per esprimere il mio pensiero fuori dagli schemi riguardo alla felice inclusione di Tecla nella biennale. Dirò che il suo fantasma non si arrende, e che il passaggio di Giove nei Pesci – il pianeta più benefico di tutti nel segno di tutto ciò che è onirico, intangibile e multiforme – è stato un alleato di centrale importanza dall’aldilà, per scatenare questo felice avvenimento nell’aldiquà.

La Biennale d’Arte di Venezia, nella sua edizione numero 59, per me ha rappresentato un sogno a distanza e per tutti coloro che hanno visitato questo evento, fin dalla sua inaugurazione nell’aprile di quest’anno, è stato un viaggio studiato per abitare un universo di possibilità tattili, tangibili, vitali e materiali che esprime visioni fantastiche, multidimensionali e sibilline delle idee e delle forme. Affidata a Cecilia Alemani, la curatela di questa edizione ha avuto come scopo quello di trascendere la concezione rinascimentale dell’uomo come centro dell’universo, e lo fa da una città italiana, Venezia, che tanto deve al pensiero cartesiano a cui questa mostra si rifà con eccezionale ardore. Gli interrogativi che questa edizione della biennale si propone di approfondire e a cui, in qualche modo, cerca di dare una risposta, grazie alla selezione delle opere che ne fanno parte, sono i seguenti: come sta cambiando la definizione di umano? quali sono le differenze tra il mondo vegetale, quello animale, quello umano e quello non umano? quali sono le nostre responsabilità verso tutte le forme di vita e verso il pianeta? come sarebbe la vita senza di noi?. E le opere esposte nella mostra danno vita a una risposta progettata con genialità in cui i limiti tra ciò che è reale e ciò che è immaginato sfumano. Questa esposizione rappresenta una risposta da cui scaturirà un numero infinito di letture e associazioni, poiché chiunque abbia il coraggio di pensare con elasticità comprende che la realtà umana non può essere definita dal punto di vista dogmatico e dominante di una narrazione dove i nostri sogni non sono considerati né reali né veri.

Sento che questo sarà un discorso celebrativo in occasione di una notizia che all’inizio ha innescato migliaia di connessioni elettriche tra il mio passato e il mio presente, e il presente e il futuro di un’artista che con la sua opera continua a sfidare un gran numero di abitudini e di dogmi. Vi racconto dunque che sono venuta a conoscenza dell’inclusione di mia madre tra i 213 artisti che fanno parte dell’elenco finale dell’attuale edizione della biennale, due giorni dopo l’annuncio ufficiale della notizia, grazie alla cortesia di Luis Romero, un amico artista che vive in Venezuela e con cui ho contatti occasionali. Nel caso qualcuno non lo sapesse, Io sono venezuelana, Tecla si considerava, e desiderava essere, venezuelana – nonostante fosse nata in Italia – e il Venezuela – secondo quanto narra la leggenda – deve il suo nome al confronto, in senso dispregiativo, che avevano stabilito i navigatori che attraversarono per la prima volta le sue terre nel secolo XV, conservando nella memoria la città di Venezia come glorioso riferimento.

Cecilia Aleman, che ha curato questa edizione della biennale con finezza concettuale e sublime sensibilità artistica, è la prima donna italiana responsabile della curatela di questo evento e purtroppo la quinta donna a cui è stato assegnato questo incarico nei 127 anni di storia della mostra. Questa festa del arte include per la prima volta una raccolta significativa di artisti incredibilmente eterogenei, rappresentanti di diversi periodi storici e tutti decisamente scomodi per l’establishment culturale più ortodosso. La cilena Cecilia Vicuña, l’italo brasiliana Linda Gazzera, le nordamericane Nan Goldin e Ruth Asawa, le tedesche Rebecca Horn e Hannah Höch, la francese Marguerite Humeau e l’artista Yanomami Sheroanawe Hakihiiwe costituiscono una minuscola mostra di un’icona piena di creature meravigliose, di oggetti insoliti, di strutture intricate e di misteriose speculazioni artistiche. Questa edizione della biennale dispone inoltre di un elenco di 213 artisti, tra i quali le donne e gli artisti di genere non conforme costituiscono, per la prima volta nella storia della manifestazione, la maggioranza assoluta. Ottanta nuove proposte nazionali hanno dato modo di ospitare, in questa occasione, padiglioni di paesi che partecipano per la prima volta a questo famoso evento internazionale; sono paesi come il Camerún, il Kazakistan, il Kirghizistan e l’Uzbekistan. E io, davanti a tutte queste importanti conquiste della presente, specialissima, edizione della biennale, penso: ‘È straordinariamente sicuro : gli artisti che superano la circonferenza del proprio ombelico con la propria opera non muoiono. Continuano a muovere i loro pezzi sul tavolo da gioco collettivo fino alla fine dei tempi e mia madre punta ancora sul proprio lavoro e continua a scuotere con i suoi passi post mortem i limiti preconcetti che abbiamo su come muoverci nel mondo del arte’.

La cosa più importante di tutte, è che il concetto di questa mostra è appunto rappresentare, in settori interconnessi in maniera fluida, delle visioni metamorfiche dei corpi e dei loro processi, esplorare la relazione esistente tra individui e tecnologia, e infine approfondire la natura delle interazioni, esistenti o possibili, tra la terra e i corpi che la abitano. Questa selezione di oggetti, proposte estetiche e riflessioni artistiche, lascia il campo aperto alla sistemazione nello spazio di verità morfologicamente non lineari. Ambiguità e frammentazione del corpo, così come l’inclusione di narrazioni storiche, in precedenza considerate di minore importanza, si rendono latenti e risvegliano degli interrogativi. Corpi disobbedienti, corpi amputati, corpi bloccati, corpi reinventati, e corpi offuscati, rarefatti o illuminati, daranno una risposta a molti dei nostri dubbi ontologici, riguardo a come siamo e a cosa siamo. La convergenza tra umanità e tecnologia potrà essere osservata per mezzo di oggetti realmente tangibili, connessi con l’esperienza sensoriale umana che caratterizza le forme percettive del presente e tuttavia immagina le possibilità del futuro. E la relazione tra esseri umani e ambiente naturale, a volte fragile, a volte potente, è senza dubbio un’altra tra le tematiche ricorrenti e fondamentali di questa manifestazione che, grazie al contesto storico in cui si inserisce, sta avendo tutto il prestigio e la risonanza che merita.

Questa edizione, la prima dal 2019, offre interazioni sensuali e sessuali con l’universo vegetale, come è il caso dell’artista contemporaneo cinese Zheng Bo, e immagini di giovani in un’inquietante processione rapiti nei boschi della Lituania, come nel caso dell’opera di Eglė Budvytytė in collaborazione con Marija Olšauskaitè. Cito solo un paio di esempi per stimolare la vostra curiosità e darvi un’idea della rappresentazione. D’altro canto, che l’opera di Tecla coesista con quella di un numero significativo di artisti che ho ammirato per anni, come la scrittrice e illustratrice nordamericana Djuna Barnes, o l’artista inglese Leonora Carrington, che fuggì in Messico durante la Seconda Guerra Mondiale, o l’italo- franco-argentina Leonor Fini, che adorava autoritrarsi e incarnare il suo fantastico universo felino per mezzo delle sue tele piene di teatralità, o la solenne crudezza dell’artista portoghese – recentemente scomparsa – Paula Rego, o il sofisticato e desolato immaginario dalle forme fiabesche della pittrice surrealista spagnola Remedios Varo, mi sembra straordinario. È come se la mera natura transumana, trans – storica, “transrealista” e surrealista della mostra si esprimesse attraverso il modo in cui ho vissuto nella mia carne questa felicità.

Mia madre è stata un’artista visionaria che ha agito sempre con impeccabile coerenza con le sue idee. I suoi concetti fondamentali sono stati sempre legati alla critica dei valori borghesi, degli stereotipi di genere e della disuguaglianza sociale della cultura maschilista e capitalista di cui lei stessa era vittima. Non si è mai mossa nella maniera comunemente strategica in cui ho visto muoversi gli altri artisti, e il riconoscimento mondiale le è arrivato nel modo in cui lei stessa lo avrebbe senza dubbio apprezzato. Senza fare lobby. I semi delle sue battaglie femministe rappresentano il raccolto in una mostra dove, per la prima volta nella storia di questa manifestazione, le donne artiste e gli artisti di genere non conforme sono la maggioranza, facendo di questo evento una freccia verso il cielo di tutte le possibilità future. Questa partecipazione di Tecla Tofano alla Biennale di Venezia giunge per ribadire che il tempo perfetto degli orologi Swatch – il maggiore sponsor della biennale – non esiste. Che gli artisti, veramente, non muoiono e che i transiti cosmici non mentono mai, specialmente perché si prestano a numerose interpretazioni tanti quanti sono, su questo pianeta, gli astri che ci si presentano allo sguardo.

Manifestazioni di questo calibro solitamente vengono gestite con molta discrezione, per cui, sebbene durante la presentazione ufficiale alla stampa Cecilia Alemani abbia dato dettagli su alcune delle opere che avrebbero fatto parte della mostra d’Arte della biennale di quest’anno, la maggior parte delle opere incluse sono state tenute in sospeso fino all’apertura ufficiale dell’evento che ha avuto luogo il 3 aprile di quest’anno 2022. Viaggiando con la fantasia, un po’ prima dell’inaugurazione, ho immaginato che l’opera esposta sarebbe stata “El, Ella…Ellos” (1977), per l’impatto che di recente hanno avuto questi enormi pupazzi di ceramica che mia madre avessi presentato al mondo per interrogarsi – quando ancora non era di moda – sulla necessità di avere un atteggiamento fluido riguardo all’unione tra i genitali umani e le aspettative sociali associate ai ruoli di genere. Immaginavo anche che avrei visto esposti alcuni dei minacciosi e affascinanti falli di ceramica con cui per anni ho convissuto nella nostra casa di Caracas. Alla fine una riuscita selezione di personaggi ibridi hanno avuto l’onore di essere canali del suo messaggio, e, tra questi, una donna che partorisce, dalla croce metafisica e metaforica che è il ventre, bizzarri cordoni ombelicali.

Mentre mi preparo per visitare finalmente la biennale, penso : complimenti Tecla, complimenti! Che le tue vittorie continuino a essere degne di rispetto come lo sono state le tue battaglie. E , dato che tutte le strade conducono a Roma, spero che tu stia facendo un felice ritorno alla terra che ti ha partorito, e una bella visita alla città dove abbiamo passeggiato insieme un paio di volte, senza immaginare che lì, dopo tanti anni, ci saremmo rincontrate.

A dopo, mamma. Il mondo è fiero di te.

Ulteriori Letture


Tradotto da: Alessandra Greco

Opere di Tecla Tofano

La leche de los sueños (The Milk of Dreams) le roba, con la mejor intención y un gran sentido de oportunidad, su título al libro escrito por Leonora Carrington, en el que la artista surrealista inglesa, que vivió parte importante de su vida en México, describe un mundo mágico en el que la vida está constantemente siendo redimensionada a través del prisma multicolor de los sueños. El título de esta obra escrita con la intención de ser un libro para niños que ha servido en realidad para despertar a muchos adultos, da título a la edición número 59 de la Bienal de Arte de Venecia en la que la obra de mi madre, la artista ítalo-venezolana Tecla Tofano, ha sido incluida.

Pero permítanme explicarles por qué se me ocurre que este ha sido un robo perfectamente oportuno y magistralmente orquestado por una suerte de narrativa mágica de las cosas con ramificaciones en múltiples planos de lo que entendemos como universal. Voy a valerme del espacio para la inclusión argumentativa que este evento abre, para expresar mi propio pensamiento no-normativo en relación a la feliz inclusión de Tecla en la bienal. Diré que su fantasma no se rinde, y que el paso de Jupiter por Piscis – el planeta más benéfico de todos en el signo de lo onírico, lo intangible y lo multiforme – fue aliado pivotal desde el mas allá, para desencadenar este feliz advenimiento en el mas acá.

La Bienal de Arte de Venecia en su edición número 59 ha sido para mi un sueño a distancia y para todos los que han visitado este evento desde su inauguración en abril de este año, ha sido una travesía diseñada para habitar un universo de posibilidades táctiles, tangibles, vitales y materiales, que expresa visiones fantásticas, multidimensionales y sibilinas de las ideas y de las formas. A cargo de Cecilia Alemani, la curaduría de la bienal en esta edición 2022, se ha planteado trascender la concepción renacentista del hombre como centro del universo y lo hace desde una ciudad italiana, Venecia, que tanto le debe al pensamiento cartesiano que esta muestra interpela con gloriosa calidez. Las preguntas que esta edición de la bienal propone investigar y de algún modo responder, gracias a la selección de obras incluidas son las siguientes: ¿Cómo está cambiando la definición de lo humano?, ¿Cuáles son las diferencias entre lo vegetal, lo animal, lo humano y lo no-humano?, ¿Cuales son nuestras responsabilidades con todas las formas de vida y con el planeta? y ¿Cómo sería la vida sin nosotros?. Y las obras incluidas en la exhibición dan vida a una genialmente orquestada respuesta en la que los limites entre lo que es real y lo que es imaginado se difuminan. Esta muestra es una respuesta de la que se derivarán un número ilimitado de lecturas y asociaciones, porque quien se atreve a pensar con elasticidad comprende que la realidad humana no puede ser explicada desde la concepción dogmática y hegemónica, de una narrativa en la que los sueños ni son reales ni son verdad.

Anticipo que este será un celebratorio recorrido por una noticia que inicialmente encendió miles de conexiones eléctricas entre mi pasado y mi presente, y el presente y el futuro de una artista que con su obra sigue desafiando un número importante de vicios y de normas. Supe que mi madre había sido incluida entre los 213 artistas que conforman la convocatoria final de la actual edición de la bienal, dos días después de que la noticia fuera anunciada públicamente, y gracias a la buena voluntad de Luis Romero, un amigo artista que vive en Venezuela y con quien mantengo contacto ocasional. En caso de que alguien no lo sepa, yo soy venezolana, Tecla se pensaba y soñaba venezolana – a pesar de haber nacido y crecido en Italia- y Venezuela -según cuenta la leyenda- le debe su nombre a la despectiva comparación que establecieron los navegantes que divisaron por primera vez sus tierras en el siglo XV, trayendo como referencia a la gloriosa Venecia.

Cecilia Alemani quien ha curado esta edición de la bienal con fineza conceptual y excelsa sensibilidad plástica, es la primera mujer italiana a cargo de la curaduría de este evento y tristemente la quinta mujer a la que le ha sido asignada esta responsabilidad en los 127 años de historia del mismo. Este evento incluye por primera vez un compendio significativo de artistas fascinantemente variopintos, representantes de distintos periodos históricos y todos decididamente incómodos para el establecimiento cultural mas ortodoxo. La chilena Cecilia Vicuña, la ítalo brasileña Linda Gazzera, las norteamericanas Nan Goldin y Ruth Asawa, las alemanas Rebecca Horn y Hannah Höch, la francesa Marguerite Humeau y el artista Yanomami Sheroanawe Hakihiiwe constituyen una minúscula muestra de un botón repleto de criaturas maravillosas, de objetos inusuales, de estructuras intrincadas y de misteriosas especulaciones plásticas. Esta edición de la bienal cuenta además con un listado de doscientos trece artistas, entre los cuales las mujeres y artistas de género no conforme constituyen por primera vez en la historia del festival absoluta mayoría. Ochenta propuestas nacionales, han incluido en esta oportunidad pabellones de países que participan por primera vez en este reputado evento internacional, como Camerún, Kazakhstan, Kirghizitan y Uzbekistan. Y yo frente a todas estas valiosas conquistas de esta especialísima edición de la bienal pienso: ‘Es espeluznantemente cierto: los artistas que trascienden la circunferencia de su propio ombligo con su obra, no mueren. Quedan moviendo sus piezas sobre el tablero colectivo de juego hasta el fin de los tiempos. Mi madre sigue apostando por su propio trabajo y sigue agitando con sus pasos post morten las limitaciones preconcebidas que tenemos acerca de cómo debemos movernos en el mundo del arte’.

Lo mejor de todo, es que la idea de esta muestra es justamente plantear en sectores fluidamente interconectados, visiones metamórficas de los cuerpos y sus procesos, explorar la relación existente entre individuos y tecnologías, y examinar la naturaleza de las interacciones existentes o posibles, entre la tierra y los cuerpos que la habitan. Esta selección de objetos, planteamientos estéticos y dilemas artísticos, da lugar al posicionamiento en el espacio de verdades morfológicamente no lineales. Ambigüedad y fragmentación del cuerpo, así como la inclusión de narrativas históricas previamente consideradas de importancia menor se hacen latentes y despiertan interrogantes. Cuerpos desobedientes, cuerpos amputados, cuerpos interceptados, cuerpos reimaginados, y cuerpos desdibujados, enrarecidos e iluminados, le darán respuestas a muchas de nuestras dudas ontológicas, en relación a cómo somos y qué somos. La convergencia entre humanidad y tecnología será observada a través de objetos tangibles, conectados con la experiencia humana sensorial que caracteriza las formas perceptivas del presente e imagina sin embargo las posibilidades del futuro. Y la relación entre seres humanos y entorno natural, a veces frágil, a veces poderosa, es sin duda otra de las temáticas recurrentes y fundamentales de esta exhibición que debido al contexto histórico en el que se inserta, esta teniendo toda la vigencia y resonancia que merece.

Esta edición, la primera desde 2019, ofrece interacciones sensuales y sexuales con el universo vegetal, como es el caso de la fotografía del artista contemporáneo chino Zheng Bo e imágenes de jóvenes de inquietante letanía abducidos en los bosques de Lituania, como en el caso de la obra de Eglė Budvytytė en colaboración con Marija Olšauskaitè. Cito solo un par de ejemplos para abrirles el apetito y ponerlos en contexto. Por otra parte, que la obra de Tecla coexista junto a la de un número significativo de artistas que he admirado por años, como la escritora e ilustradora norteamericana Djuna Barnes, o la artista inglesa Leonora Carrington, quien escapara a México durante la segunda Guerra Mundial, o la ítalo-franco-argentina Leonor Fini, que adoraba autoretratarse y encarnar su fantástico universo felino a través de sus teatrales lienzos, o la grandilocuente crudeza de la artista portuguesa – recientemente fallecida – Paula Rego, o la sofisticada y desolada imaginería fabulada de la pintora surrealista española Remedios Varo, me parece absolutamente descollante. Es como si la mera naturaleza transhumana, transhistórica, ‘transrealista’ y surrealista de la exhibición se expresara a través del modo en el que he vivido en carne propia esta felicidad.

Mi madre fue una artista visionaria que actuó siempre en impecable congruencia con sus ideas. Sus formulaciones conceptuales fundamentales estuvieron siempre ligadas a la critica de los valores burgueses, a los estereotipos de genero y las desigualdades sociales de la cultura machista y capitalista que ella misma padecia. Nunca se movió en la forma vulgarmente estratégica que yo he visto a otros artistas moverse, y el reconocimiento mundial le llegó del modo en el que ella misma lo habría sin duda valorado. Sin hacer lobby. Las semillas de sus militancias feministas son cosecha en una exhibición en la que -como ya sabemos- por vez primera las mujeres artistas y los artistas de géneros inconformes son mayoría, haciendo de este acontecimiento un dardo al cielo de todas las posibilidades. Esta participación de Tecla Tofano en la bienal de Venecia llega para confirmar que el tiempo perfecto de los relojes SWATCH – el mayor patrocinante de la bienal – no existe. Que los artistas, literalmente, no mueren y que los tránsitos cósmicos nunca mienten, especialmente porque se prestan a tantas interpretaciones como a miradas existen en este planeta.

Convocatorias de este calibre se suelen manejar con mucha discreción, por lo que si bien durante la presentación oficial a la prensa Cecilia Alemani dió detalles de algunas de las obras que harían parte de la muestra de Arte de la bienal este año, la mayoría de las obras incluidas se mantuvieron en suspenso hasta la apertura oficial del evento que tuvo lugar el 3 de abril de este año 2022. Fantaseando un poco antes de la apertura imaginé que la obra incluida seria “El, Ella…Ellos” (1977), por el impacto que recientemente han tenido estos enormes muñecos de cerámica que mi mamá alguna vez presentara al mundo para cuestionar -cuando aun no estaba de moda- la necesidad de una conciencia fluida en relación al matrimonio entre los genitales humanos y las expectativas sociales asociadas a los roles de género. También fantaseaba con ver exhibidos algunos de los amenazantes y atractivos falos de cerámica con los que por años conviví en nuestra casa en Caracas. Al final una acertada selección de personajes híbridos han tenido el honor de ser canal de su mensaje, y entre ellos, una mujer pariendo desde la cruz metafísica y metafórica que es el vientre, cordones umbilicales rocambolescos.

Mientras me preparo para finalmente visitar la bienal pienso: ¡Bravo Tecla, bravo! Que tus triunfos sigan siendo tan honorables como lo fueron tus guerras. Y como todos los caminos conducen a Roma, espero que estés teniendo un feliz regreso a la tierra que te parió, y una feliz visita a la ciudad que juntas deambulamos un par de veces, sin imaginar que en ella, después de tantos años, nos reencontraríamos.

A dopo mamma. Il mondo é fiero di te.

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por Carla Tofano
22nd October 2019

A Window Into The Soul

by Toby Deveson
3rd October 2019

Lenguas Que Se Encuentran

por Carla Tofano
1st October 2019

The Queen of Selfies

by Toby Deveson
19th September 2019

La Piel De Mi Destino

por Carla Tofano
16th September 2019

Welcome To Metralla Rosa

by Toby Deveson
1st July 2019